El arte: ¿privilegio de la élite o algo comprensible para todos?

 

En un mundo donde la cultura parece ser un bien accesible a todos, es fácil pensar que el arte también debería serlo. Pero ¿realmente lo es? ¿Es algo que cualquiera puede entender y apreciar de la misma manera, o tiene algo que solo unos pocos, los iniciados, pueden comprender? Quizás la respuesta dependa menos de lo que nos muestran las galerías o los museos y más de lo que tenemos en nuestro interior. Parece que no todas las obras de arte están concebidas para ser disfrutadas por todos de la misma manera. Tal vez el arte, como muchas cosas en la vida, está dirigido a quienes están dispuestos a mirar más allá de lo superficial y se arriesgan a experimentar con cierta sensibilidad.

Tolstói: el arte como conexión humana

 León Tolstói, en su reflexión sobre el arte, proponía algo radical: el arte debe ser accesible para todos. Sin rodeos, decía que el verdadero arte no debe estar reservado solo para las élites, sino que debe ser un puente hacia la conexión humana. Para Tolstói, el arte no se trataba solo de la belleza o la técnica; su valor residía en su capacidad para expresar sentimientos universales, aquellos que todos somos capaces de comprender y compartir. En sus palabras, “el arte debe ser comprensible para el pueblo.”

Es curioso cómo, a pesar de esta visión, muchas de las obras que hoy consideramos como arte esencial fueron creadas por y para una minoría. El romanticismo y las expresiones de élite no podían imaginarse como algo masivo, pero eso no les restaba valor. En un mundo cada vez más enfocado en la funcionalidad y la producción, el arte se distanciaba de lo accesible. Pero, ¿significa esto que el arte debe ser exclusivamente elitista o que puede ser compartido con todos? La respuesta, tal vez, depende de cómo entendemos lo que realmente significa el arte.

Ortega y Gasset: la estética del desencanto

José Ortega y Gasset, con su punto de vista profundamente introspectivo acerca del arte moderno, creía que no era simplemente un asunto de popularidad, sino más bien de sensibilidad. Ortega decía en La deshumanización del arte que el arte se alejaba cada vez más de lo que sentía la gente común, y que solo aquellos que estaban dispuestos a "leer" las nuevas formas de expresión podían entenderlo. El arte moderno, particularmente el abstracto y experimental, se distanciaba de las formas tradicionales para él, ya que no tenía como objetivo "representar" el mundo, sino presentarlo de un modo totalmente distinto, más retador y complicado de entender. Según Ortega, el arte tenía que quebrantar las formas preconcebidas, aunque eso significara distanciarse de la mayoría. En sus palabras, el arte moderno no era para todos, sino para aquellos capaces de percibir una “nueva realidad”. Aquí se siembra la duda: si el arte no es accesible para todos, ¿es realmente arte? ¿O es simplemente una forma de elitismo estético, al alcance solo de los que pueden entenderlo?

El arte del siglo XX: masificación y evolución

El arte a lo largo del siglo pasado experimentó cambios que lo acercaron a las personas, pero al mismo tiempo lo alejaron de la comprensión popular. La pintura abstracta, el cine, el arte conceptual y la tecnología en expansión generaron nuevas oportunidades para expresarse. No obstante, también retaron las viejas definiciones de lo que se creía "valioso" o "bueno". Las películas como Metrópolis y los trabajos de Jackson Pollock ofrecían, además de experiencias estéticas, maneras novedosas de comprender el mundo. Pero estas obras tampoco eran sencillas de asimilar para todos.

Una de las interrogantes centrales surge aquí: si el arte del siglo XX se hizo masivo, ¿el público en general lo entendió y valoró realmente? El cine experimental y la pintura abstracta no se comprenden a simple vista; requieren de una sensibilidad particular y un esfuerzo por entender lo que es incomprensible. Pero, si este arte no está disponible para todos, ¿tiene menos valor? ¿O es la habilidad de una obra para causar conmoción, para provocar una reacción en el espectador, lo que verdaderamente tiene importancia?

¿Es el arte verdadero solo para los iniciados?

 Aquí encontramos un dilema que sigue vigente: el arte requiere una sensibilidad especial, una capacidad de entender algo más allá de lo obvio, o simplemente es cuestión de apertura y percepción. El cine experimental, las formas de arte que rompen con la figuración tradicional, pueden parecer incomprensibles para muchos. Sin embargo, tal vez no se trate de un arte más “complejo”, sino de uno que simplemente exige más de quien lo observa.

Quizás el arte verdadero no sea una cuestión de accesibilidad, sino de resonancia. Aquello que te toca el alma, que te provoca una reflexión, una emoción genuina, puede ser arte. Lo que diferencia una obra de arte de un objeto común es su capacidad para generar algo más que una simple mirada. La cuestión es saber si el arte necesita de una formación, una preparación, o si está reservado solo para los que tienen la capacidad de ver más allá.

El criterio del arte: subjetividad y alma

 Lo que es evidente es que, más allá de las definiciones filosóficas y teorías, el arte continúa siendo una experiencia profundamente subjetiva. Lo que se considera una obra maestra para un individuo, puede ser incomprensible para otro. Y ahí radica la belleza del arte: no necesita de un criterio único, sino de una conexión personal. Quizás, como Tolstói sugería, el verdadero arte es el que logra transmitir una emoción universal. Y como Ortega y Gasset advertía, el arte tiene que desafiar nuestra visión del mundo, ya sea que lo entendamos o no. Lo que sigue siendo cierto es que, en cualquier campo del arte, lo que permanece en el tiempo es aquello que sigue tocando el alma. Las obras que no solo se aprecian en un momento, sino que atraviesan generaciones, siguen resonando.

El arte que perdura: la conexión que trasciende el tiempo

Quizás la auténtica prueba del arte no sea cuánto comprendemos de él al principio, sino cuánto nos transforma con el tiempo. Si una obra, décadas después de su creación, continúa conmoviendo el alma de una persona, es posible que estemos frente a algo verdaderamente importante. Y eso es lo que importa al final. La capacidad de una obra para mover algo dentro de ti, para conectarte con algo más allá de ti mismo. En este contexto, el arte no pierde su esencia a pesar de que cambie y se vuelva más accesible. Tal vez eso sea lo que realmente define el arte verdadero. No su popularidad, ni su accesibilidad, sino su poder para atravesar el tiempo y seguir tocando el alma.

Tatiana Mukhortikova